Si algo caracteriza a la mayoría de grupos de rock de los años setenta es la experimentación, y The Who saben moverse perfectamente en ese ámbito. Las óperas rock comenzaban a surgir con fuerza y eran, además, la excusa perfecta para dejar volar la imaginación y recrearse musicalmente sobre el hilo de una historia que contar.
En Quadrophenia la música suma dramatismo a una historia adolescente de búsqueda personal y comprensión de la vida en sí misma. No es una simple ópera rock de la época, es mucho más.
En este artículo te contamos cómo se llevó a cabo la creación del álbum y escuchamos las numerosas canciones que forman parte de la banda sonora. Seguro que muchas de ellas no te dejan indiferente.
Historia del álbum
Quadrophenia es el sexto álbum de estudio de la banda inglesa The Who, lanzado por Track Records como álbum doble el 26 de octubre de 1973. Se trata de la tercera ópera rock del grupo, cuya historia sucede en 1965 entre Londres y Brighton con un joven mod como protagonista llamado Jimmy.
5:15 fue la canción elegida como primer sencillo, aunque para Estados Unidos eligieron como single principal Love Reign O’er Me, lanzándose el 27 de octubre.
The Who comenzaron a desarrollar el álbum en 1972 con la idea de que fuese una continuación a sus exitosos álbumes anteriores: Tommy y Who’s next. Sin embargo, la grabación del mismo tuvo que retrasarse ya que varios miembros del grupo estaban realizando otros proyectos paralela e individualmente. El bajista John Entwistle se dedicaba a grabar álbumes, así como el cantante Roger Daltrey. Mientras, el baterista Keith Moon trabajaba en el mundo del cine.
A su vez, la relación entre el grupo y su manager Kit Lambert acabó por dinamitarse durante la grabación del álbum.
Este fue el único trabajo del grupo compuesto completamente por Pete Townshend, frustrado por no haber podido producir junto a The Who una versión cinematográfica de Tommy (versión que finalmente se lanzaría en 1975). Decidió entonces seguir una idea de Frank Zappa: crear una banda sonora que pudiera generar una historia creíble, de juventud, rebeldía y adolescencia para una película con la que el público pudiera empatizar e identificarse fácilmente.
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Townshend se inspiró en los primeros fans del grupo para crear la identidad del protagonista Jimmy, personaje cuya personalidad está dividida en “cuatro formas de ser”, de ahí el juego de palabras de quadrophenia con schizophrenia. Para ello, Townshend escribió cuatro temas musicales que ilustrasen la personalidad de su protagonista, los cuales reflejaban también la personalidad de los cuatro miembros del grupo: Bell Boy (Moon), It’s me? (Entwistle), Helpless Dancer (Daltrey) y Love reign o’er me (Townshend).
Townshend insistió en componer él todo el álbum, aunque dejó también mucha libertad creadora al resto de los miembros del grupo. Para la grabación, decidieron construir un estudio propio: Ramport Studios en Battersea. Comenzaron en noviembre de 1972 pero cinco meses después aún no tenían material en condiciones (carecían de una mesa de mezclas adecuada) para poder grabar el álbum. Ronnie Lane, amigo de Townshend, les ofreció su “estudio móvil” para las sesiones de grabación.
Los sonidos de sintetizador proceden del ARP 2500, propiedad de Townshend. Además, para conseguir un buen sonido de cuerdas Townshend se compró un violonchelo y aprendió a tocarlo durante dos semanas para poder grabar algo con él.
Para el álbum también se hicieron grabaciones de campo con una grabadora portátil. Entre esas grabaciones encontramos olas de una playa en Cornualles y el sonido de un tren en Goring-on-Thames.
La trama básica se centra en un joven mod de clase obrera llamado Jimmy, quien ya coquetea con las drogas y ha participado en alguna pelea. Además, se siente frustrado por la actitud que muestran sus padres hacia él, por no encontrar un trabajo con futuro y un largo etcétera. Piensa en el suicidio pero, finalmente, decide marcharse a Brighton en busca de otros mods. Sin embargo, la banda que buscaba ya está disuelta y con sus miembros trabajando en busca de un buen futuro. Jimmy comienza a sentir que ha estado desperdiciando su vida y la película termina en un final conmovedor.
El álbum no es solo un intento fantástico por parte del grupo, sino un análisis de su lugar dentro de la cultura mod.
Tras el lanzamiento, Quadrophenia alcanzó un impacto muy positivo tanto en Inglaterra como en Estados Unidos. Sin embargo, debido a diversos problemas la ópera rock dejó de interpretarse en 1974, aunque con un nuevo revival en 1996 y una nueva gira en 2012. Fue un álbum que tuvo un impacto especial en el movimiento mod de finales de la década de los setenta, siendo la adaptación cinematográfica todo un éxito en 1979.
Charles Shaar Murray de New Musical Express define el álbum como la experiencia musical más gratificante del año. Para Robert Christgow, de Newsday, el álbum “exige concentración, igual que el arte de los museos o los libros.”
Chris Jones en BBC Music escribió que “todo lo bueno de The Who está concentrado en este álbum.” John Atkins describió las pistas instrumentales del álbum como la música más ambiciosa e intrincada que el grupo había compuesto hasta el momento.
El álbum alcanzó el segundo puesto en las listas, detrás de Pins Ups de David Bowie. También alcanzó el segundo puesto de la Billboard estadounidense, tras el primer puesto de Goodbye Yellow Brick de Elton John.
ESCUCHANDO LAS CANCIONES
I AM THE SEA
Comienza con un sonido de olas. La música aparece desde el fondo en un halo de misterio potenciado por una voz que susurra entre truenos.
Escuchamos una voz en la lejanía que comienza a cantar, a capella, seguida de una coro.
Esta canción da paso a la siguiente con la frase “can u see the real me?”
THE REAL ME
Comienza con un riff de guitarra.
Es un tema movido, muy típico de los setenta y las óperas rock. Los vientos son bastante efectistas en el estribillo.
Todos los instrumentos tienen su momento de mayor importancia, y todos en conjunto hacen que la canción camine muy bien. Son especialmente llamativas las líneas de bajo.
QUADROPHENIA
El inicio es bastante experimental pero con muy buen gusto. Se juega con patrones sintetizados, siendo llamativo que justo la canción que de nombre al álbum sea completamente instrumental.
Encontramos momentos de calma frente a otros más rítmicos, finalizando con el sonido del mar.
CUT MY HAIR
Comienza como una balada. El estribillo es más movido, con los coros y una nota mantenida. Al liberarse esa nota y quedar libre el coro todo brilla mucho más. El postchorus nos lleva a un sentimiento de relax, rebajando la tensión del estribillo.
Escuchamos un solo de guitarra relajado y unas líneas de bajo a lo largo de la canción muy interesantes.
THE PUNK AND THE GODFATHER
Con un inicio potente aunque, como en la mayoría de canciones, en esta también encontramos momentos de gran tensión y relajación. Es una canción con mucha fuerza en general, donde no hay novedad en cuanto a estructura.
La voz en muchas ocasiones está doblada por arriba, consiguiendo así más cuerpo y sonoridad.
I’M ONE
El inicio es tranquilo, con una guitarra, cuerdas y una voz con bastante reverb. Poco a poco la canción se va volviendo más enérgica, reflejándose esto también en la voz.
DIRTY JOBS
Comienza con una nota pedal de piano y parece que va a ser una canción alegre y brillante. Al final de la canción escuchamos un fragmento musical de The Thunderer, una marcha de John Philip Sousa que Nevison grabó.
HELPLESS DANCER
El piano, los vientos y el bajo comienzan la canción. Poco después se une la guitarra. Cuando aparece la voz, el piano es golpeado con fuerza. La voz desprende una gran agresividad y todo al rededor tiene tintes de musical.
IS IT IN MY HEAD?
El estribillo, calmado como las estrofas, tiene unos bonitos coros. Destacar la delicadeza de rebajar la tensión en el post-chorus y cómo en el puente la canción se vuelve más enérgica con la caja a negras, una energía que desaparecerá para terminar la canción tan tranquila como empezó.
I’VE HAD ENOUGH
Escuchamos aquí una voz agresiva, potente. Es otra canción que nos sorprende con cambios de dinámicas, encontrando un estribillo calmado, un carácter muy influenciado por el texto que se canta. La canción continúa en esa dinámica tranquila por un tiempo pero poco a poco vuelve a la potencia del inicio. Estos cambios de carácter serán los que delimiten la estructura de la canción. Lo más curioso es que los estribillos, en este caso, no suponen un clímax evidente.
5:15
Se sigue jugando con los cambios de dinámica. Es una canción muy desenfadada, ideal para convertirse en single.
SEA AND SAND
Comienza con el sonido del mar y gaviotas, remitiéndonos al título de la canción. El inicio es muy bonito y delicado, dándonos a entender que nos encontramos ante una balada, algo que muy pronto descubriremos que no es así.
DROWNED
Es una canción animada, bastante redonda en cuanto a estructura y con un bonito momento con coros después del segundo estribillo, que da parte a una sección instrumental virtuosa.
BELL BOY
Continuamos con los contrastes. En general es una canción con mucha fuerza, no solo en el acompañamiento, sino también en la voz, que canta directa, casi hablada o recitada y con mucho acento, especialmente en el estribillo.
DOCTOR JIMMY
Canción con toques dramáticos, aunque por momentos también suena muy heróica, en la que destaca el papel de la batería.
Encontramos momentos de calma que contrastan con lo acelerada que es la canción en general. Es el tema más largo del álbum con una duración de 8:37′.
Termina con un cúmulo de sonoridades que parecen querer atraparte.
THE ROCK
Es una continuación del tema anterior y es enteramente instrumental.
Todos y cada uno de los elementos musicales juegan un papel muy importante. La guitarra poco a poco va adquiriendo protagonismo y acaba liderando el grupo a mitad de canción, momento en el que todo comienza a girar en torno a su motivo musical. Después sucede un cambio brusco con unas cuerdas de fondo y todo se impregna de un sentimiento mucho más dramático que nos conduce hacia el final de la canción.
LOVE, REIGN O’ER ME
El inicio es bastante dramático, algo que se acentúa con un sonido de lluvia en el fondo.
Con la entrada de la voz, también entran unas cuerdas que convierten la canción en un momento épico. La voz se va moviendo hacia los agudos y aumenta el dramatismo, obteniendo un final duro y dramático.
Es una canción dramática y espectacular, preciosa para un final de disco.
¿Qué te ha parecido el álbum? ¿Conocías la ópera rock Quadrophenia? ¡Te leemos en comentarios!
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